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Carlo Antonelli per https://d.repubblica.it/ - Estratti
Jean Michel Jarre è un ragazzino. 76 anni portati dentro alle fibre prima elettroniche, poi numeriche, non-stop. Un entusiasmo metà sintetico, metà romantico (o entrambi) lo spingono a combinarle sempre di più grosse ancora: domani Piazza San Marco a Venezia. Poi a Pompei. Una specie di esorcismo contro la ubris dei Pink Floyd. Tiè.
Jean Michel, prima di tutto grazie. È un onore incontrarla. La prima domanda che vorrei farle è: quando è stato il momento in cui è entrato nel mondo del suono digitale, quando ha iniziato a occupartene?
“Da adolescente suonavo in gruppi rock e mio nonno era un pazzo. Era un musicista e anche un inventore. Ha inventato uno dei primi mixer per le stazioni radio e anche l'antenato dell'iPod, oltre al vecchio giradischi con le batterie incorporate per ascoltarlo. Viveva a Lione. E anch’io sono nato lì. Poi, quando avevo 12 anni, mi ha regalato un registratore a cassette di seconda mano. Ne sono diventato ossessionato e registravo tutto il giorno. Un giorno ho riprodotto il nastro al contrario. Pensavo che gli alieni mi stessero parlando. E quello è stato l'inizio di tutto”.
Quindi, in un certo senso, ha continuato la tradizione di inventore, dai.
“In un certo senso, forse. Voglio dire, ho sempre pensato che la tecnologia fosse come il lavoro di un detective. È grazie all'invenzione dell'elettricità che abbiamo avuto Chuck Berry o David Gilmour o che abbiamo creato componenti elettronici che permettono a me e ad altri di fare la musica che facciamo. Io, per esempio, ho iniziato quando ero davvero un adolescente, ho venduto la mia chitarra e il mio amplificatore per andare a Londra. Avevo 17 anni.
Poi sono andato al Music Research Centre, dove, voglio dire, è nata la musica elettronica. Sai, noi non ci rendiamo conto che la musica elettronica non ha nulla a che vedere con il jazz, il blues o il rock, non ha nulla a che vedere con gli Stati Uniti. È fondamentalmente un movimento europeo. Tra Parigi, Milano, Monaco e Stoccarda. L’idea in realtà era quella di considerare la musica per la prima volta non solo in termini di note basate sul solfeggio, ma sui suoni. Questa direzione ha rivoluzionato il modo in cui facciamo musica. Oggi tutti stanno diventando sound designer oltre che musicisti, integrando il suono della pioggia, il suono del vento o di una lavatrice”.
(...)
Qual è la sua formazione?
“Ho studiato musica classica al Conservatorio di Parigi e poi la ribellione mi ha portato al rock. Pierre Boulez e gli altri, erano loro i miei insegnanti, erano fantastici, pazzi. In un certo senso, tutte queste persone pensavano alle possibilità dell'umanità, a ciò che stava accadendo e anche al suono della macchina.
Ma era anche la macchina che in un certo senso pensava e ballava o semplicemente interagiva con noi. È un punto di vista molto interessante perché in realtà all'epoca eravamo convinti di avere una visione molto positiva e ingenua del futuro. Credevamo tutti che dopo il 2000 le auto avrebbero volato e il sistema sociale e quello educativo sarebbero stati visionari”.
Vivendo negli anni 70, avevamo già un’idea vintage del futuro che veniva dagli anni 50 e poi…
“Certo, incredibile. È piuttosto interessante vedere che ancora oggi i simboli del futuro sono eroi molto vecchi. Batman, Superman, Spider Man, hanno 100 anni. Sono davvero vecchi, se ci pensi.
E alla nostra generazione è stato necessario molto tempo per ricreare una sorta di visione del futuro, che secondo me è proprio ciò di cui si occupa l'intelligenza artificiale, la realtà virtuale e tutto il resto. Finalmente, dopo forse 50 o 60 anni, stiamo entrando in una nuova era e penso in una nuova vita, più giovane”.
Si sente così?
“Sì, dopo un lungo viaggio. Un po’ d’ossigeno, diciamo, avrebbe dovuto già esserci a metà strada. Forse mi sbaglio. Cinquant’anni dall’uscita di quell’album… Ma noi in realtà, siamo sempre stati interessati a creare una sorta di legame tra sperimentazione e melodia. Come i latini, l’abbiamo sempre considerato il centro della musica”.
Cosa significava Oxygen, ossigeno?
“Era già come un ‘canto’ per la corrosione, in un certo senso, del sistema, degli esseri viventi presenti sulla terra. Era ed è interessante perché, sai, quando parlavamo all’epoca di ecologia e di ambiente, non eravamo in molti a pensarci e ci consideravamo una specie di neo hippie”.
Ed è forse la migliore definizione di hippie possibile? Ma in realtà, se prende la copertina di Oxygen, è più punk che hippie.
“Il teschio. Ricordo che mia madre mi diceva: ‘Perché chiami la tua musica con il nome di un gas e metti un teschio sulla copertina? Non funzionerà’”.
Non è una cattiva osservazione.
“Assolutamente. E poi, sai, ho sempre considerato il mio lavoro fare cose fuori dagli schemi, e non è arroganza, è solo un dato di fatto. Voglio dire, quando Oxygen è uscito era nel bel mezzo dell'era punk e della disco. Mi riferivo a un contesto più ampio, ma per me era simile, molto simile. Prendi Oxygen 5, la parte dei cinque ladri, è stato Giorgio Moroder a dirmi che era stata una grande fonte di ispirazione per lui. Ho sempre detto che noi artisti siamo tutti ladri, rubiamo tutto quello che sentiamo, tutto quello che leggiamo, tutto quello che vediamo”.
Il copyright, folle. Quindi, in un certo senso, questa stagione di prompt è fondamentalmente molto difficile da proteggere con il copyright. È una stagione molto simile, come dice lei, al suo lavoro, nonostante il fatto che Oxygen fosse chiaramente protetto dal diritto d’autore.
“È molto, molto divertente quello che dici perché quando in Cina ho incontrato un tizio che si occupava di copyright, mi ha detto: ‘Ma sai, in Occidente ci avete parlato di copyright. Avreste dovuto dirci di copiare male’”.
Scusi, la domanda è un po' sgradevole, ma è molto importante perché penso che ci sia un momento nella carriera di un artista, o anche in quella di un architetto, di un designer o di uno scrittore. C'è qualcosa di simile a una palude che arriva dai 40 ai 70 anni, un po' come un grande pozza in cui devi nuotare. Quindi, in un certo senso, solo i più forti sopravvivono, ma è molto facile arrivarci, posso dire, deboli, senza energia.
“Quello che potremmo dire ai giovani artisti è di capire il prima possibile che il successo e i fallimenti, gli incidenti, sono come un'onda sinusoidale e la vita di un artista, la vita di un essere umano, è nel mezzo”.
E lei cos’ha fatto?
“Ho solo imparato. Mi sono buttato a capofitto negli anni 80 e 90, facendo tantissimi concerti, perché era anche un'epoca folle, quella degli anni 80, in cui siamo diventati tutti pazzi per una sorta di ipertrofia delle performance e tutto il resto. Ho fatto concerti per 2 milioni di persone, 3 milioni di persone. Sono ancora il detentore del record mondiale per i concerti più grandi”.
Prima se ne va, adesso Piazza San Marco a Venezia e Pompei, dove saranno le prime volte dopo i Pink Floyd. Entrambi i luoghi erano considerati scandalosi dal punto di vista ambientale.
“Questo è il motivo per cui è il mio sogno che si avvera, perché stavo per suonare a Venezia un anno dopo i Pink Floyd, hanno smontato il posto all'improvviso, gli italiani, e hanno detto: ‘Ok, l'Italia ora è un museo, non toccatela’”.
È vero. È proprio così. E Pompei?
“Questi ‘ragazzi’ che hanno costruito Pompei erano dei geni. Erano visionari e persone straordinarie. Lavoravano con esperti, avevano conoscenze di acustica e audio, hanno costruito un luogo dove quando sei al centro senza un microfono, puoi essere sentito da tutti intorno. Ora si può più, vero? Non sanno come farlo”.
È distopico o che?
“Penso che ci sia questa folle idea che ieri fosse meglio, domani sarà peggio o che non saremo qui a parlare del modo in cui parliamo. Quindi c'è questa idea che abbiamo un concetto necessario, indispensabile, che il futuro sarà alla Terminator. Pazienza. È solo perché, come esseri umani, sappiamo bene che non faremo parte di quel futuro quando non ci saranno al mondo altri umani. Ci sarà altro”.
(Jean Michel Jarre ha anche un’installazione audioattiva presso la Biennale Architettura di Venezia 2025; questa intervista inoltre fa parte del nuovo archivio di testimonianze a grandi architetti sonori dello spazio Voce della Triennale di Milano).
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